martes, 30 de diciembre de 2008

ALBERT KING Crosscut Saw














Albert King es otro de los guitarristas que más han marcado el desarrollo del sonido de la guitarra eléctrica, dando lugar a un estilo personal que creó escuela, de la misma manera que sucedió con T-Bone Walter y B.B. King, siendo más atractivo al carecer de las sutilezas jazzísticas que caracterizan a los dos anteriores. Jimi Hendrix y Stevie Ray Vaughan son buena muestra de su influencia.

Su estilo es aparentemente sencillo pero que resulta muy difícil de imitar. De hecho, aquello que hace que sus frases funcionen es muy difícil de plasmar en el pentagrama y tablatura. Es indispensable una meticulosa escucha de sus discos para empezar a reconocer los elementos que lo hacen único y original.

Desde el punto de vista guitarrístico su manera de tocar es poco ortodoxa. Es zurdo pero toca la guitarra de un diestro, por lo que las cuerdas están en orden inverso. Debido a ello sus bendings se mueven en la dirección opuesta, al estirar la cuerda, baja, mientras que lo convencional es que suba. A todo esto se añade una afinación no estándar, que aunque no existe consenso sobre ella, parece estar basada en un acorde menor.

El tema Crosscut Saw forma parte del disco Born Under A Bad Sign, editado por el sello de soul Stax, que es una recopilación de los primeros singles que grabó para la discográfica de Memphis en la segunda mitad de la década de 1960. Esta fue la grabación que aumentó considerablemente el perfil de Albert King. En él está acompañado por Booker T. and the MGs, que eran la sección rítmica de la casa, habiendo ayudado a definir el sonido soul de los 60 gracias a sus colaboraciones junto a Otis Redding y Sam & Dave, y sus própios hits como Green Onions. La mezcla de blues y soul se convirtió en una fórmula de éxito. Buena parte de las canciones del mismo están basadas en riffs funky que son el precedente de posteriores composiciones de Cream y Led Zeppelin entre otros.

La estructura de Crosscut Saw es la de un blues de doce compases en el tono de A♭, cuyo patrón de acompañamiento se conoce como rhumba blues o Memphis mambo. Tiene una sonoridad que denota influencia de ritmos latinos y está basado en corcheas binarias, a diferencia de las ternarias del shuffle. En la grabación no hay guitarra rítmica, por lo que el acompañamiento se ha de aprender a partir de lo que hace el bajo y el piano, cuyas partes son perfectamente aplicables a la guitarra.

En lo que al solo mismo se refiere, es típico de Albert King, estando formado por frases cortas que mantienen una estructura de pregunta/respuesta, donde el ritmo, la dinámica y el tono son ingredientes esenciales. Las notas pueden ser vistas desde la perspectiva de la escala de A♭ menor pentatónica, aunque Albert King, al igual que muchos otros guitarristas de blues, no parece organizar su vocabulario a partir de escalas, si no de frases que oye o que imita de otros músicos, manipulándolas para darles su toque personal. Especial atención merecen los bendings que son uno de sus rasgos más importantes.

Desde la perspectiva del fraseo cabe reseñar que siempre anticipa la llegada del acorde y que sus frases empiezan en tiempos débiles, lo cual proyecta sensación de movimiento, conocida como forward motion.

Como nota anecdótica vale la pena reseñar que el solo de Eric Clapton en Strange Brew, del disco de Cream Disraeli Gears, es el mismo que el de Crosscut Saw. Como dicen en inglés, la imitación es la muestra más sincera de halago.

Pincha aquí para ver la transcripción en pdf.

domingo, 14 de diciembre de 2008

FREDDIE KING Recomendaciones













Freddy King. Blues Guitar Hero. The Influential Early Sessions. Las grabaciones más importantes y que más influyeron de Freddie King se encuentran en esta compilación Ace records. Acá estan See See Baby, Have You Ever Loved a Woman, (You've Got To) Love Her With a Feeling), I'm Tore Down y los instrumentales Hideaway, The Stumble, Side Tracked y San Ho Zay. Es el disco que hay que tener.














Freddy King. Blues Guitar Hero Volume 2. More influential. Esta compilación contiene el clásico Someday After A While (You'll Be Sorry) posteriormente versionado por Peter Green cuando formaba parte de John Mayall's Bluesbreakers y por Eric Clapton en su disco From The Cradle. Este disco vuelve a mezclar temas vocales e instrumentales, y aunque son menos conocidos, el nivel es muy bueno.





















Freddie King. Signature Licks. Este DVD editado por Hal Leonard tiene a Duke Robillard mostrando como se tocan nota a nota los instrumentales más famosos de Freddie King y como éste enfrenta el blues lento, del cual era un especialista.





















Blues Solos for Guitar. Keith Wyatt. Este método de blues de Keith Wyatt tiene un capítulo dedicado a Freddie King, que puede servir de introducción a los rasgos esenciales de su estilo.

Para terminar unos video de Freddie King en el programa de televisión The Beat! de la década de los 60.



FREDDIE KING See See Baby














Freddie King pertenece a la realeza del blues, junto a Albert King y B.B. King (no existe parentesco familiar entre ellos). Su estilo ha ejercido una gran influencia en multitud de guitarristas, siendo quizás el más famoso Eric Clapton, el cual adquirió la Gibson Les Paul que tocó con John Mayall y Cream porque su ídolo tocaba una.

En Freddie King se produce una síntesis de diferentes estilos, ya que es de Texas de nacimiento, creció en el Chicago de los años 50 de Muddy Waters, Jimmy Rogers, etc. y grabó sus temas clásicos en los sellos King y Federal de Cincinnati.

Un elemento que caracteriza a Freddie King es que grabó numerosos instrumentales que han sido versionados frecuentemente, siendo el más famoso Hideaway, que fue un éxito en las listas de pop y R&B de Billboard de 1961.

El solo en See See Baby es típico de como Freddie King organiza sus improvisaciones y usa un buen número de frases caracteristicas de su estilo. Está basado en el concepto pregunta/respuesta y se mueve entre la escala menor pentatónica en sexta posición y su extensión en la onceava posición. Sin embargo, lo importante del análisis del solo es verlo más en función del vocabulario que de escalas, y como conecta con la sonoridad de los acordes. De esa manera se podrán entender las notas que se escapan de la escala menor pentatónica, pero que al mismo tiempo forman parte del lenguaje blues tradicional.

Una aclaración sobre la técnica de Freddie King. Tocaba con dos púas o uñetas, una en el pulgar (thumbpick) y otra de metal en el dedo índice (fingerpick).

domingo, 30 de noviembre de 2008

martes, 21 de octubre de 2008

WYNTON KELLY Freddie Freeloader



















Transcripción del solo clásico de Wynton Kelly sobre Freddie Freeloader.


Freddie Freeloader Wynton Kelly TAB

lunes, 20 de octubre de 2008

Una reflexión sobre el vocabulario musical

Es común encontrarse con el comentario de que tal o cual músico suena a tal o cual otro, de que no improvisa, que sólo repite licks de otros, que no es original, etc. ¿Cómo se llega a ser original y que se entiende por ello?

Dada mi experiencia como profesor, veo que algunos músicos y buena parte de los estudiantes de música, sobre todo en su fase temprana de formación, tienen un problema en la articulación de un discurso musical coherente. Soy de la opinión de que en buena parte eso es debido a la ausencia de un vocabulario musical.

El tema del vocabulario está directamente relacionado con el concepto de tradición musical. Algunos estilos están más codificados que otros, son aparentemente más cerrados, donde la tradición juega un rol clave para entender como funcionan. Es casi imposible encontrar un músico de blues actual que no venere a las figuras del pasado, a diferencia de ciertos tipos de rock y pop, donde en algunas ocasiones el mensaje que se proyecta es claramente transgresor, queriendo romper con el legado anterior.

La tradición es un cuerpo vivo de conocimiento y experiencia de las generaciones anteriores, y no debe ser tomado como un dogma inalterable. Es el saber de los mayores. Se toma lo que funciona y se cambia aquello que es susceptible de ser mejorado.

Es común encontrarse con figuras destacadas que han sabido sintetizar todo lo que ha sucedido con anterioridad y al mismo tiempo articular un estilo personal y novedoso. Que las grandes baladas de Hendrix lleven el sello de Curtis Mayfield, no lo hace menos original. Que a su vez Stevie Ray Vaughan se vea influenciado por Hendrix a la hora de componer Lenny tampoco. Todo lo contrario, les da una amplia base sobre la que poder construir.

Tradicionalmente la transmisión de ese conocimiento ha sido de forma oral. El músico imitaba los discos y lo que veía en vivo, aprendía del trato con otros músicos. El avance de las nuevas tecnologías, el auge de escuelas de música moderna, la aparición de textos antes ausentes (transcripciones, métodos, revistas, etc.) puede que estén cambiando la metodología, pero estoy seguro que el fin sigue siendo el mismo.

La fuente de la que uno crea hay que nutrirla con algo, alimentar el manantial. Es frecuente encontrarse con la cita para romper las reglas hay que conocerlas. La época más innovadora de los Beatles está sustentada sobre un periodo de formación donde la imitación de las primeras figuras del rock’n’roll (Elvis, Chuck Berry, Carl Perkins) fue un factor clave. A simple vista Sgt. Pepper no se parece mucho a Blue Suede Shoes o Mistery Train, pero se me antoja difícil el primero sin los segundos.

Tema aparte, son aquellos que no superan el periodo de imitación. Aún así, esta puede resultar de lo más curiosa. Eric Clapton menciona como durante la grabación de From The Cradle, por más que intentaba imitar las versiones originales que estaba versionando, siempre terminaba sonando como él mismo. Que ahí radicaba la belleza de todo el ejercicio.

La formación no es igual en todos, de la misma forma que el talento no está repartido de igual manera. El hecho que el primer disco de Pat Martino sea sumamente original, a pesar de su juventud en el momento de la grabación, no quiere decir que sea la regla con la que todos nos tenemos que medir. Unos maduran antes, otros más tarde. El talento no está repartido por igual, y los contextos en los que uno se desarrolla pueden ser diametralmente diferentes. Lo importante es el proceso, hacer lo correcto y disfrutar de la experiencia.

Puede que lo que se entienda por vocabulario y tradición musical sea algo muy concreto (unas frases o licks, una manera de acompañar, unos acordes determinados, unas estructuras, etc.) o algo más abierto (Pat Metheny ve el Jazz más como un verbo que un sustantivo, una manera de hacer), pero me resulta fácil verlo como un trampolín que nos ayude a descubrir la creatividad y lo original que hay en nosotros.

El trompetista de jazz Clark Terry lo resume de manera magistral: imitación, asimilación, innovación. Sólo hay que tener cuidado para crear sobre los hombros de gigantes y no llevarlos a ellos sobre los propios.


Una reflexión sobre el vocabulario musical

jueves, 16 de octubre de 2008

BLUES Improvisación acordes

La mayoría de las explicaciones acerca de cómo improvisar en el blues se suelen referir a la utilización de escalas pentatónicas. No es de extrañar pues son el recurso más usado. Gran número de frases están basadas en ellas. El hecho que éstas contengan cinco notas hace que se pueda frasear y crear melodías de manera natural, sin que haya que omitir notas que entren en conflicto con la armonía. Además son relativamente fáciles de digitar en la guitarra.

Sin embargo, es muy común encontrarse con vocabulario que refleja más claramente la armonía. A menudo esto sucede porque las frases están basadas en el sonido del acorde, usando algunas o todas las notas del mismo. Veamos un ejemplo de Buddy Guy para centrar la discusión (Fig. 1).

Fig. 1




lunes, 22 de septiembre de 2008

ARPEGIOS Digitaciones

Cinco posiciones para los arpegios de CM7, C7, Cm7, Cø7 y Co7 usando el sistema CAGED.

lunes, 1 de septiembre de 2008

SISTEMA CAGED

¿Cuántas posiciones son necesarias para las escalas y los arpegios?, ¿seis?, ¿siete, porque siete son las notas que forman la escala mayor?, ¿ocho, porque se pueden tocar empezando en cada dedo de la mano izquierda con tónica en la quinta y sexta cuerda? La respuesta a estas preguntas está en el sistema CAGED.

El sistema CAGED es un método claro y sencillo que permite organizar escalas, arpegios y acordes en el diapasón en sólo cinco posiciones, teniendo siempre como punto de referencia el diagrama de un acorde básico, el cual nos establecerá la posición. Es, además, un método ideal para aprender donde están las notas en el diapasón, tarea nada fácil en la guitarra.

¿Por qué se llama CAGED? En inglés la palabra caged significa encajonado y cada posición en la que se divide el diapasón puede ser considerada como un cajón o una plantilla. Además, son las letras que corresponden a los nombres de las tríadas mayores con cuerdas al aire.


Sistema Caged

domingo, 10 de agosto de 2008

PAT MARTINO Recomendaciones












Pat Martino es uno de los grandes guitarristas de jazz de todos los tiempos, con un estilo inmediatamente reconocible. Desde una temprana edad tuvo un gran control técnico del instrumento, un verdadero virtuoso.

Su carrera profesional empieza muy pronto, enclavado en el estilo
soul-jazz de los sesenta. Es uno de los músicos indispensables para comprender el género. Su vida no está exenta de momentos épicos. A comienzos de los ochenta es diagnosticado con un aneurisma, para lo cual es intervenido quirúrgicamente, y al despertar sufre de una pérdida de memoria casi total. Apenas reconoce a sus padres. Se pasa buena parte de la década de los ochenta en blanco y vuelve a aprender a tocar la guitarra escuchando sus antiguas grabaciones. Actualmente sigue muy activo y ha retomado su carrera profesional.













El Hombre (1967). Su primer disco como lider a la edad de 23 años. Es el mejor de su primera etapa. Indispensable.













Live (1972). En este disco ya se encuentra el estilo de Pat Martino completamente maduro. El disco cuenta con tres composiciones, de las cuales destaca su versión del standard Sunny. Algunos discos vale la pena tenerlos sólo por una canción, este es uno de ellos. El Cd es algo dificil de obtener, pero la canción se encuentra en el recopilatorio Cream.













Footprints (1972). En los setenta Martino edita cuatro discos que son auténticas joyas. El primero de todos ellos es este. Cinco standards más una composición original. Incrébles solos en How Insensitive y Road Song.














Consciousness (1974). Gran disco, en el cual interpreta dos piezas de guitarra sola. Otra grabación redonda.













We'll Be Together Again (1976). Disco dedicado a Wes Montgomery del 76, año en el que graba cuatro discos de enorme calidad. Formato de dúo con Gil Goldstein al piano eléctrico, con repertorio compuesto básicamente por baladas standards y la composición original Open Road en forma de suite. Posiblemente su mejor grabación.














Exit (1976). Otra fantástica grabación en la que cabe destacar Blue Bossa y Days Of Wine And Roses.















Interchange (1994). Gran disco con el que se formaliza su vuelta a la escena. Todas son composiciones originales más la balada Blue In Green.













Live At Yoshi's (2001). Retorno de Martino al formato de trío con organo, una de sus especialidades del comienzo de su carrera. El disco está compuesto por standards y composiciones originalesgrabadas por él con anterioridad.

lunes, 4 de agosto de 2008

GRANT GREEN Grant's Greenery













Transcripción del solo de Grant Green en Green's Greenery, un blues en B♭ de tempo medio. Es un buen ejemplo para adentrarse en el vocabulario jazz en la guitarra. Mucho swing y melodías claras. Dejo para unas entradas posteriores el análisis de la improvisación.

He añadido una versión en TAB para orientar la digitación del solo.

Greens Greenery
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martes, 29 de julio de 2008

ANATOMIA DE UN VOICING II

AnatomíA De Un Voicing Ii

JIMI HENDRIX Hey Joe













En todo repertorio de blues/rock debería estar este clásico de Hendrix. Es de esas canciones que son fáciles de tocar inicialmente pero que se pueden ir puliendo durante mucho tiempo.

En este vínculo pueden encontrar un backing track.


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Abajo tienen un video de como tocar la introducción.

miércoles, 23 de julio de 2008

PETER BERNSTEIN I Mean You













Peter Bernstein es uno de lo guitarristas de jazz actuales más representativos del be bop. Siempre me ha llamado la atención como ha sabido reconciliar su propia voz con el legado de la tradición. Mientras otros suenan como meros repetidores de frases, licks, etc. Peter Bernstein es pura frescura e imaginación. Su solo en I Mean You de Thelonious Monk, del disco Group 15 Plays Monk, es muy representativo de ello.

martes, 22 de julio de 2008

ALBERT KING Born Under A Bad Sign













Albert King, uno de los tres reyes del blues junto a B.B. King y Freddie King, es uno de los guitarristas más influyentes del estilo. Acá está la transcripción de su tema Born Under A Bad Sign del disco del mismo título. Es un clásico que ha sido versionado por Eric Clapton, en solitario y con Cream, Jimi Hendrix y Robben Ford entre otros.

Aquí tienen un backing track.

domingo, 20 de julio de 2008

PAT MARTINO Minor conversion




















Pat Martino organiza su discurso melódico de una manera muy original, siguiendo lo que él llama minor conversion, método que establece una serie de equivalencias que le permiten utilizar vocabulario menor independientemente del acorde sobre el que se esté improvisando. Es un enfoque muy guitarrístico y también empleado por otros músicos (Wes Montgomery, Grant Green, George Benson, etc.), pero debemos a Martino el haberlo codificado y explicado.



PAT MARTINO Minor Conversion

martes, 15 de julio de 2008

LARRY CARLTON MR.335 TV




















Larry Carlton, tambien conocido como Mr. 335, es, sin duda, uno de los grandes. Músico de sesión de incontables grabaciones de los 70 y 80, es uno de esos "guitarrista de guitarristas."

Recientemente ha añadido a su web MR.335 TV, en donde tiene mucho material didáctico de primera calidad, que forma parte de la master class 335 Blues, un pack de 4 CD-ROM interactivos. Si uno se da de alta, se pueden bajar las partituras con TAB de todos los ejemplos. ¡Suena mortal!

La mayor parte de ellos tienen que ver con su estilo de tocar blues. Es uno de los grandes estilistas del género, inmediatamente reconocible por su sonido, fraseo, touch y selección de notas.

Su discografía como líder es bastante extensa ya, a menudo en lo que se llama smooth jazz. No por ello ha dejado de grabar blues. Acá van algunas de mis recomendaciones.













Larry Carlton (1978). De su primer disco vale la pena escuchar Don't Give It Up, un cruce entre un blues y Freeway Jam de Jeff Beck. La balada It Was Only Yesterday es muy recomendable también.














Casino Lights (1982). Disco recopilatorio del festival de Montreaux. Su solo en Your Precious Love hace "hablar a la guitarra." Increíble.














Friends (1983). Ultimo disco que graba para Warner Bros. Cabe destacar Blues For T.J. ¡un dueto con B.B. King!














Last Nite (1986). Probablemente su disco menos producido. Un directo en el club Baked Potato. Toca un blues fantástico B.P. Blues. Mucha y buena guitarra.














Sapphire Blue (2004). Finalmente graba un disco dedicado exclusivamente a blues. De lo mejor de su trayectoria, lo cual ya es decir.





















Larry Carlton Instructional DVD. Gran DVD didáctico, de los que más se aprenden. Claro, con ideas originales y precisas, tocado excepcionalmente. Pincha aquí para ver una muestra en streaming video.

Para terminar les dejo estos videos tocando blues. B. P. Blues de su disco Last Nite y Just An Excuse de Sapphire Blue. Las palabras sobran...



BLUES SHUFFLE Recomendaciones 2

 











Sugar Ray & the Bluetones. Rockin' Sugar Daddy. Gran disco para oír guitarra rítmica en blues. Kid Bangham , que reemplazó a Jimmie Vaughan en The Fabulous Thunderbirds, es un gran conocedor del estilo, tanto como acompañante como solista.

 












Anson Funderburgh And The Rockets. Talk to you by hand. Texas blues con influencias de Chicago. Muy buenas guitarras rítmicas también.

 












Jimmie Rogers with Ronnie Earl and the Broadcasters. Fantástico disco de Ronnie Earl, uno de los grandes guitarristas de blues de la actualidad, junto a Jimmie Rogers, guitarrista de Muddy Waters en los 50, y gran representante del blues de Chicago y el sonido Chess.


 











Duke Robillard. Duke's Blues. Otro de los grandes de la escena actual, con un conocimiento enciclopédico del blues, estilos y figuras. Ya iré recomendando más cosas de él, porque tiene joyas en su catálogo.

BLUES SHUFFLE III Variaciones

lunes, 14 de julio de 2008

EMILY REMLER Joy Spring













Emily Remler fue una gran guitarrista que desafortunadamente nos dejó demasiado pronto. Cuando era alumno en el GIT tuve la oportunidad de tocar un standard con ella.

Su solo en Joy Spring es ideal para ver recursos sobre II - V - I que duran dos tiempos por acorde y modulan rápidamente. Es un rasgo característico del jazz, especialmente del
be bop y hard bop.

viernes, 11 de julio de 2008

BLUES SHUFFLE Recomendaciones













La colaboración de Jimmie Vaughan con Omar Kent Dykes On The Jimmy Reed Highway es un muy buen disco para oír los patrones de shuffle ejecutados por dos expertos en el tema. Además, tocan todos los clásicos de Jimmy Reed y las guitarras se oyen muy claras.














El DVD Live In London de 1985, con Jimmie Vaughan y The Fabulous Thunderbirds está lleno de ejemplos del patrón de shuffle y se ven muy bien. ¡Recomendable!

BLUES 12 compases

BLUES SHUFFLE II

CLIFFORD BROWN Sandu














Clifford Brown es uno de los grandes trompetistas de la historia del jazz, compositor de un buen número de composiciones que se han convertido en standards. El quinteto que lideró junto al batería Max Roach es uno de los más importantes de la historia del jazz.

Sandu en un blues de medio tiempo en Eb,
head habitual en jam sessions. En el volumen 53 de Jamey Aebersold dedicado a Clifford Brown hay un backing track muy bueno, sin embargo cuesta encontrarlo, pues ha sido descatalogado.

Sandu
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jueves, 10 de julio de 2008

BLUES SHUFFLE

TAJ MAHAL Queen Bee













Taj Mahal lleva tocando más de 40 años y tiene un conocimiento enciclopédico del blues y estilos afines. Aquí va una transcripción de su tema Quee Bee, del disco Señor Blues, por el que se llevó un grammy. El tono original es en Bb, con cejilla en el tercer traste, aunque también tocar en G.