lunes, 14 de enero de 2013

BEBOP

















El texto Essential Jazz. The First 100 Years de Henry Martin y Keith Waters ofrece una perfecta introducción la historia del estilo, con claras descripciones de sus características esenciales y reseñas biográficas de sus figuras más importantes.  A continuación aparece un resumen del capítulo dedicado al bebop.

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Capítulo 4.  La era del bebop

El jazz moderno nace a mediados de la década de los cuarenta del siglo pasado con el bebop, siendo las características que lo diferencian de la era del swing las que le confieren su carácter moderno: 

Estética general centrada en la improvisación individual en vez de la melodía, la canción popular o el arreglo. 
El surgimiento de las melodías bebop (head) que estilísticamente complementan la improvisación.
Predilección por combos pequeños por sobre las big bands.
Menor énfasis en el éxito comercial o popular.
Menor énfasis en el baile: los tempos son considerablemente más rápidos y lentos que en el swing (1); el pulso se articula de una manera menos obvia que en el swing (2).
Aparición de una conciencia autoafirmativa fruto de una nueva percepción de la contribución de los afroamericanos al jazz.

Las características anteriores generaron el contexto cultural para el jazz durante el resto del siglo XX, transformando el estilo de una forma de entretenimiento popular a una expresión artística. 

Revolución versus evolución

La aparición del bebop alteró el paisaje del jazz, rechazando abiertamente los valores de la era del swing, generando fuertes críticas tanto de los músicos como de los aficionados.  Hubo razones coyunturales que favorecieron la génesis del nuevo estilo.  Entre ellas, el impuesto a las salas de baile para ayudar a financiar la Segunda Guerra Mundial ocasionó el declive de las big bands, apareciendo en su lugar multitud de pequeños clubes donde los músicos jóvenes tuvieron más oportunidades de experimentar con un nuevo lenguaje musical.

Con el bebop el jazz dejó de ser una música eminentemente comercial, rechazando los jóvenes intérpretes los estereotipos raciales de las generaciones anteriores, convirtiéndose en precursor del activismo político de los músicos negros de las décadas posteriores.

En contraste con estos cambios más severos, musicalmente el bebop fue una evolución natural del estilo del swing, como se observa en los elementos que se mantienen:

La improvisación tiene lugar sobre estructuras de 32 compases de las canciones populares (AABA o ABAC), rhythm changes y blues.
La improvisación se basa principalmente en líneas melódicas de corcheas.
La instrumentación sigue siendo sección rítmica y vientos.
El formato de la presentación sigue siendo head - solos - head, aunque el bebop puso más énfasis en ello que los estilos anteriores.

Este hecho no debería sorprender ya que la mayor parte de los músicos se formaron en grupos de swing, siendo los aspectos más revolucionarios del bebop de índole social más que musical.

Características del estilo

En las composiciones bebop los vientos tocan la melodía seguido de solos improvisados, terminando con la melodía nuevamente.  Los vientos ejecutan la melodía en unísono u octavas, creando una sonoridad más escueta que la de los arreglos de big band del swing.  Como ya se ha indicado, los tempos se mueven hacia los extremos, los rápidos son más rápidos y los lentos más lentos, lo cual evita que la música apoye al baile.  Ese vacío será llenado más tarde por el rock’n’roll.

El repertorio seguirá basado en las mismas estructuras que las de la era del swing, pero serán adaptadas al nuevo marco.  Frecuentemente se desecharán las melodías originales y se compondrán nuevas respetando la estructura armónica.  Este hecho tuvo dos ventajas para los músicos: la nueva melodía tenía una sonoridad similar a la de la improvisación, manteniendo una unidad de lenguaje (1); los intérpretes y las discográficas no tenían que pagar derechos de autor porque evitaban usar las melodías originales.

Una de las características que a menudo se mencionan como novedosas reside en los cambios a la armonía, poniéndose el énfasis en las tensiones de los acordes (novena, oncena y trecena), tanto por parte del solista como del pianista.

La rearmonización fue otro desarrollo propio de la armonía bebop, insertando nuevos acordes y progresiones sobre la composición estándar, afectando ello al solista.

La manera como se comportaba la sección rítmica también cambió.  Los bateristas bebop no delinearon más el pulso tocando cuatro negras en el bombo como era la costumbre del baterista de swing, sino que transfirieron al ride esa función, utilizando el bombo y la caja para acentuar la música, a menudo de manera irregular, no simétrica.  En parte ello se debió imposibilidad de mantener las negras en el bombo en los tempos rápidos, viendose obligados a realizar esa función con el ride.

Los tempos rápidos también trajeron cambios en el rol del pianista, abandonándose el estilo stride de la mano izquierda, prefiriendo modificar la textura con acordes, a menudo sincopados, dejando la responsabilidad del time-keeping en manos del bajista y en el ride del baterista.  Los pianistas improvisaban con la mano derecha de modo análogo a como lo hacían los vientos, acompañándose con la mano izquierda.

Como la mano izquierda del pianista y el bombo del baterista dejaron de proyectar el pulso básico, el bajista se encargó de esa misión, generalmente haciendo walking en cada tiempo del compás y desarrollando un concepto más lineal.

Los orígenes históricos del bebop

El bebop se empieza a fraguar en las jam sessions de clubes de Harlem (Minton’s Playhouse y Monroe’s Uptown House) a comienzos de los cuarenta, en las que los músicos pudieron establecer una red social y experimentar con nuevas ideas.  En palabras de Miles Davis, “fue el laboratorio musical para el bebop”. 

Las big bands de Earl Hines y Billy Eckstine complementaron a las jam sessions de Harlem, ofreciendo más oportunidades para los nuevos músicos.  Tanto Dizzy Gillespie como Charlie Parker formaron parte de ambos grupos.

La prohibición de grabar por parte de la American Federation of Musicians como resultado de la huelga de 1942 dejó este periodo inicial del bebop sin registros sonoros.

Hacia mediados de la década los clubes de la calle 52 se convirtieron en el centro de la actividad musical, concentrándose durante la guerra una gran cantidad de músicos en Nueva York.  Una sesión de grabación de Coleman Hawkins de 1944 se reconoce históricamente como el primer registro discográfico del bebop, contando con la participación de Dizzy Gillespie, Don Byas, Oscar Pettiford y Max Roach.

Los músicos que se convirtieron en los arquitectos del estilo fueron, sobre todo, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell y Thelonious Monk.  Algunos de los elementos que caracterizaron su estilo son los siguientes:

Una sonoridad más dura y agresiva que la del periodo anterior. 
• Poco uso de vibrato en las baladas.
Casi ausencia de efectos instrumentales.
Ataques pronunciados junto con líneas legato.
Poco uso de efectos blue-note en tempos rápidos.
Aumento del registro instrumental, particularmente el agudo.
Fraseo irregular, probablemente para contrarrestar la simetría de la estructura AABA.
Poco espacio entre frases.
Melodías en corcheas son el recurso rítmico más usado en los tempos rápidos.
Mayor variedad rítmica en las baladas.
La conducción de las voces se reserva, casi exclusivamente, para las piezas rápidas.
Desarrollo motívico menos obvio, a excepción de las baladas.
Las relaciones acorde/escala son consonantes, pero más complejas para incluir tensiones de la armonía.

6 comentarios:

  1. oop bop sh'bam... a klook a mop !!!

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